Sanatın her köşede hayat bulduğu Castival Otel'e hoş geldiniz. Yetenekli sanatçılar tarafından oluşturulan başyapıtların yer aldığı özenle seçilmiş koleksiyonumuzu gururla sergiliyoruz ve misafirlerimize eşsiz bir deneyim sunuyoruz. Şık mekanlarımızda dolaşarak her biri kendine özgü bir hikayeye ve sanatçısının tutkusuna sahip çeşitli sanat eserlerini keşfedin.

23 Nisan 1991 tarihinde İstanbul'un Kartal ilçesinde dünyaya geldim. Tutkumu takip edebileceğim bir alanda eğitimimi şekillendirmek adına İstanbul Bilgi Üniversitesi Sinema ve Televizyon Bölümü'ne kayıt oldum.

Mezuniyetin ardından, 2010 ile 2019 yılları arasında çeşitli film setlerinde asistan olarak çalışarak sektördeki yolculuğuma başladım. Film prodüksiyon dünyasında edindiğim deneyimlerle, 2022 yılında reklam yönetmenliğine adım atma fırsatını yakaladım. Bu dönem, projeleri yönetmenin yanı sıra, yaratıcı düşünme ve yönetim becerilerimi geliştirmemi sağladı.

2021 yılı itibarıyla Castival Otel'in marka yöneticisi görevini üstlendim ve bu görevi halen sürdürmekteyim. Castival Otel, benim için sadece bir konaklama mekanı değil, bir sanat eseri. Tasarım ve film yapım süreçlerine dahil olmak, bu alanın sadece bir otel olmanın ötesine geçme potansiyeline sahip olduğunu düşünüyorum.

Bugün, Antalya’da otellerin cami, kilise ve katedrallerin yerini aldığını düşünüyorum. Rönesans döneminde insanlar sanatlarını katedrallerde ve kiliselerde yaratırken, bugün oteller bu yaratıcılığın ev sahipleri olabilir. Bu geniş alanları finanse eden sahipler, Castival Otel gibi benzersiz mekanlarla sanatın amacına hizmet eden sanat yolları yaratıyorlar.

Otelin içindeki eserler, Castival’i adeta bir sanat galerisine dönüştürdü ve her bir eser bu atmosfere özgün katkılar sağlıyor. Bu benzersiz atmosferin bir parçası olmaktan büyük keyif alıyorum. Castival Otel, misafirlerine konforlu bir konaklama sunmakla kalmayıp, aynı zamanda bir sanat eseri olarak benzersiz bir deneyim de sunuyor.

Bu yolculuk, hayallerimi gerçeğe dönüştürme adına attığım önemli adımlardan sadece biri. Gelecekte, sanat ve yaratıcılığın içinde kalmayı, benzersiz projelere imza atmayı ve her an yeni bir şeyler öğrenmeyi hedefliyorum. Yaratıcı enerjiyle dolu bu maceranın bir parçası olmaktan gurur duyuyorum ve geleceğin neler getireceğini heyecanla bekliyorum.

Merak ve Bilgelik: Genç Aristoteles Portresi 

İlk duvar resmi, insan zekasının ve merakının büyüleyici bir hikayesini ortaya çıkarıyor ve ünlü sanatçı Emmanuel Jarus tarafından ustalıkla resmedilmiş. Bu muhteşem eser, genç Aristoteles'in canlı bir portresini sunuyor; gözleri bilgelik ve sınırsız merakla dolup taşıyor ve izleyicileri genç bir filozofun iç dünyasına doğru bir yolculuğa davet ediyor. Jarus, her ustaca fırça darbesiyle, bizi bilginin doğduğu ana götürüyor, entelektüel tarihin seyrini derinden şekillendiren o önemli anları yakalıyor. Bu duvar resmi, yalnızca Jarus'un sanatsal yeteneğinin bir kanıtı olmakla kalmıyor, aynı zamanda bilginin henüz emekleme döneminde olduğu bir çağa açılan bir pencere niteliği taşıyor ve değerli misafirlerimizi insanın keşfetme ve anlama özünü düşünmeye davet ediyor. 

Bilginin Cazibesi: Havva'nın Kaderi 

Buna çarpıcı bir tezat oluşturan ikinci duvar resmi, bizi insanlık tarihinin önemli bir anına götürüyor; bilginin peşinden gitmenin varoluşumuzu sonsuza dek değiştirdiği bir ana. Bu büyüleyici eser, Havva'nın elmayı ısırmasının ardından gelen anı canlı bir şekilde betimliyor. Bu başyapıtta, yüzündeki ifade o anın coşkusunu ve bilme arzusunun doymak bilmeyen açlığını iç içe geçiriyor. Emmanuel Jarus, bu ikonik olaya olağanüstü bir övgü sunuyor ve insan evriminde bilgelik ve aydınlanma arayışımızın kök saldığı dönüm noktasını simgeliyor. Duvar resmi, insan doğasının ikilemini düşünmemizi sağlıyor; merak ve bilginin amansız arayışı, çoğu zaman varoluşumuzu şekillendiren sonuçlarla iç içe geçmiştir. 

Tarihin ve Felsefenin Zamansız Buluşması 

Bu iki muhteşem eser, ünlü sanatçı Emmanuel Jarus tarafından yaratılmış olup, artık otelimizin duvarlarını süslüyor ve zaman ve mekânı aşan olağanüstü bir hikaye dokuyor. Bu başyapıtlara bakarken, tarih ve felsefe arasındaki derin bağı hatırlıyoruz. Değerli misafirlerimizi zamanın sayfalarında ve insan ruhunun derinliklerinde unutulmaz bir yolculuğa davet ediyorlar. Emmanuel Jarus'un eserleri sadece resim değil; insanlığın olağanüstü ve sürekli gelişen hikayesinin özünü derinden yansıtan birer simge. Geçmiş ile bugün arasında bir köprü oluşturarak, bu eserlerle karşılaşan herkesi bilgelik arayışını ve insan düşüncesinin evrimini düşünmeye teşvik ediyorlar.

Orijinal uluslararası klasik crossover grubu Il Divo'ya bir saygı duruşu olarak, Güney Afrika'dan bir topluluk müzikal yetenekleriyle parlayan bir yıldız olarak ortaya çıktı. KwaZulu-Natal, Durban'dan Soprano Magret "Dorh" Mfayela ve iki tenor, Doğu Cape, Uitenhage'den Tana Stokwe ve Doğu Cape, Port Elizabeth'ten Lebohang Motumi, 2023 yazında çok ödüllü Rainbow Entertainment şirketi altında Türkiye'de güçlerini birleştirdi. 

Bu Güney Afrikalı Il Divo, klasik crossover operatik, pop ve parti şarkıları gibi çeşitli müzik türlerinde performans sergiliyor. Sanatlarıyla gurur duyan grup, Master KG ve Nomcebo'nun "Jerusalem" gibi uluslararası üne sahip şarkıları repertuarlarına katarak zenginleştiriyor. Profesyonel opera sanatçıları olan bu grup, Castival Otel'de sahne alarak misafirlerine unutulmaz anılar yaşatmıştır. 

Bu müzikal yolculukta, Il Divo Güney Afrika, Times Magazine için ilham verici bir hikaye dokuyor. Sanatları, sahne duruşları ve uluslararası ödüllerle süslenmiş repertuarları, Il Divo'nun mirasına yeni bir soluk getiriyor ve dinleyicilerine unutulmaz anlar sunuyor.

Castival Otel, denizin özünü muhteşem eserlerinde yakalayan ünlü Rus sanatçı Marina Kusraeva'nın yaratıcı dehasını gururla ağırlıyor. Sanatın dans ettiği ve hayal gücünün tuvallere resim yaptığı alanda, Marina Kusraeva, olağanüstü eserleriyle denizi hayata geçiren bir yıldız olarak ortaya çıkıyor.

Özel Bir Üye Marina Kusraeva, 2020 yılından bu yana Rusya Deniz Ressamları Derneği'ne (РАХМ) üye olup denizcilik dünyasıyla derin bağını simgeliyor. Bu bağlılık, dehasının kısa sürede ne kadar parlak bir şekilde parladığının bir kanıtıdır. On İki Yılı aşkın Uzmanlık Marina, on yılı aşkın süredir deneyimli bir sanatçının ustalığıyla yağlı boya sanatını icra ediyor. Büyüleyici yolculuğu 12 yıl önce başladı ve o zamandan beri vizyonlarını ustalıkla tuvale aktarmaya devam ediyor.

Bir Rehber ve İlham Kaynağı Marina'nın sanata olan tutkusu kendi eserlerinin ötesine geçiyor; 2018 yılından bu yana genç sanatçılar için hem fiziksel sınıflarda hem de dijital alanda yolunu aydınlatıyor. Öğretileri, birçok kişinin yeteneklerini beslemiş ve yaratıcılık tohumlarını geniş çapta yaymıştır.

Küresel Bir Sahne Marina'nın sanatı sınırları aşıyor ve sayısız Rusya ve uluslararası serginin sahnelerini süslüyor. Eserleri tek bir mekânla sınırlı değil; küresel bir yaratıcılık senfonisinin bir yansımasıdır. Marina'nın ismi, Rusya, ABD, Fransa, Almanya, İtalya, Japonya, Çin, BAE, Belçika ve daha fazlası gibi ülkelerde sanat çevrelerinde yankılanıyor.

Prestijli Bir İkamet Marina Kusraeva'nın eserlerini gururla sergileyen üç seçkin galeri, Dubai ve Amerika Birleşik Devletleri'nin kalbinde yer alıyor. Yaratımları duvarları süsleyerek onları gören herkeste büyüleyici bir etki bırakıyor. Bu galerilerde, kendisi saygın bir ikamet eden sanatçı haline gelmiştir ve bu, cazibesinin bir kanıtıdır.

Hayranlardan Oluşan Bir Dünya Marina'nın sanatı sınır tanımıyor ve eserleri birçok ülkede ev bulmuştur; her parça onun ruhunu yansıtarak dünyaya bir hediye sunmaktadır. Rusya, ABD, Fransa, Almanya, İtalya, Japonya, Çin, BAE, Belçika ve daha fazlası, Marina'nın sanatının büyüsünden etkilenmiştir.

Marina Kusraeva'nın dünyasında deniz sadece bir konu değil; sonsuz bir ilham kaynağıdır. Sanatı aracılığıyla bizi dalgaların konuştuğu ve ufukların sırlarını fısıldadığı şiirsel bir yolculuğa davet ediyor. Denizlerin şiirsel senfonisinin büyüleyicisi Marina Kusraeva, hayal gücünün derinliklerinde kaybolmanızı davet ediyor. Castival Otel'in büyüleyici manzarası, Marina'nın sanatının birçok büyüleyici yansımasından sadece biridir. Bu eşsiz gün batımı tuvali, ziyaretçiler için unutulmaz bir deneyim sunmaktadır.

Tua Design Interiors
2018 yılında Alanya’da benim tarafımdan kurulan Tua Design Interiors, konut, restoran, villa, otel, ofis ve ticari projelerde hizmet vermektedir. Günlük yaşamdan, sanattan, kültürden ve kültürler arası etkileşimlerden izler taşıyan çalışmalara imzamı atıyorum. 

Manifestom, farklılaşmak için gelenekseli kucaklamak, deneysel bakış açımı merkeze koymak, hikayesi olan alanlar yaratmak ve sezgisel mimari oluşturmak etrafında şekilleniyor. Temel işlevlere cevap veren, kişiye kendini evinde hissettiren ve değişen ihtiyaçlara paralel olarak değişime ve dönüşüme açık olan mekanlar, dekorasyon yaklaşımımın temel unsurlarıdır. Castival’i bu konfor felsefesiyle tasarladım. 

Benim için Castival bir sanat evidir. Otelin her köşesinde sizi bir sanat eseri karşılar. Tasarımlarımda, bu sanat eserlerini ön plana çıkaran bir denge kurmaya çalışıyorum. 

Bu sanat evinin büyüyen ailesinin bir parçası olmak, her projeye ayrı bir heyecan ve istekle başlamak benim için paha biçilemez bir deneyimdir. 

Castival: Sanat ve Konforun Buluştuğu Yer: 2018 yılında Alanya’da doğan Tua Design Interiors, konut, restoran, villa, otel, ofis ve ticari projelerde hizmet veren, kendine özgü estetik bakış açısına sahip bir tasarım stüdyosudur. Günlük yaşamdan, sanattan ve kültürden ilham alan bu tasarım stüdyosu, iz bırakan projelere imza atmaktadır. 

“Gelenekseli kucaklayarak farklılaşmak, deneysel bakış açımı merkeze koymak, hikayesi olan mekanlar yaratmak ve sezgisel mimari oluşturmak” şeklinde özetlenen manifestosuyla Tua Design Interiors, tasarım dünyasına kendi özgün bakış açısını katmaktadır. Estetiğe odaklanmanın yanı sıra, temel işlevlere de yanıt veren kullanıcı dostu mekanlar yaratma tasarım prensibi, stüdyonun dekorasyon anlayışının temelini oluşturur. 

Castival: Sanat ve Konforun Buluştuğu Bir Ev: Tua Design Interiors’ın öne çıkan projelerinden biri olan Castival, adeta bir sanat evi gibi işlev görmektedir. Otelin her köşesi, ziyaretçileri bir sanat eseriyle karşılamaktadır. Tasarımın sahibi, bu sanat eserlerini vurgulayarak mekanları sanat galerilerine dönüştürmeyi hedeflemektedir. 

Tasarımcı, “Benim için Castival bir sanat evidir. Bu sanat evinde büyüyen bir ailenin parçası olmak, her projeye ayrı bir heyecan ve istekle başlamak demektir” diyerek, her projenin paha biçilemez bir deneyim olduğunu vurgulamaktadır. 

Tua Design Interiors, Alanya'nın estetik dokusuna kattığı değerle, kullanıcılarına sadece bir mekan değil, sanatla harmanlanmış bir deneyim sunmaktadır. Bu tasarım stüdyosu, estetik ve işlevselliği gelecekteki projelerinde de sunmayı hedefleyerek, mekanları sadece yaşanılan yerler değil, hissedilen sanat eserlerine dönüştürmeyi amaçlamaktadır.

1989 yılında Elazığ'ın canlı şehrinde doğan Gülşah Bulut, sanatsal ifadenin sınırsız potansiyelinin bir kanıtı olarak duruyor. Akdeniz Üniversitesi ve Beykoz Üniversitesi'nde iç mimarlık alanındaki akademik çalışmaları, onu sanat dünyasında dikkate değer bir kariyere taşıdı.

Vizyoner Bir Birleşim Gülşah Bulut'un sanatsal yolculuğu, eklektik etkilerin ve modernizmin büyüleyici bir birleşimidir. Onun ellerinde, gelenek ve yenilik uyum içinde bir arada var olarak, tamamen kendine özgü ve benzersiz bir tarz yaratıyor. Eserleri, yaratıcılığın keşfedilmemiş topraklarına cesurca adım atarak geleneksel sınırların ötesine geçiyor.

Mükemmellik Üzerine Odaklanma Oteller, restoranlar ve villaları sanatsal başyapıtlara dönüştürme konusunda uzmanlaşan Gülşah Bulut, iç tasarım alanında öncü bir güç haline geldi. Onun yarattığı eserler, mekânlara hayat vererek, giren herkesi büyüleyen bir karakter ve amaç duygusu aşılıyor.

Seçkin Bir Portföy Gülşah Bulut'un portföyü, mükemmeliyete olan sarsılmaz bağlılığının bir kanıtıdır. Fırça darbeleri, sayısız mekânda silinmez izler bırakarak onları estetik ihtişamın yeni zirvelerine yükseltti. Her darbede, tasarımın ötesine geçen, hikayeler anlatan ve duygular uyandıran bir anlatı dokuyor.

Sonsuz Olasılıklarla Dolu Bir Gelecek Gülşah Bulut, iç tasarım dünyasını şekillendirmeye devam ederken, geleceği sonsuz olasılıklarla dolu bir tuval gibidir. Yaratıcılığın sınırlarını zorlamaya olan adanmışlığı, çalışmalarının yeniliklerin ön saflarında kalmasını sağlayarak, diğerlerini sanatsal ifadenin sınırsız ufuklarını keşfetmeye teşvik ediyor. Sanat dünyasında, Gülşah Bulut, sıradanın ötesinde hayal kurmaya cesaret eden bir ışık, bir vizyonerdir. Her yaratımıyla, zamana meydan okuyan bir başyapıt resmediyor ve tasarımın tuvalinde silinmez bir iz bırakıyor. Onun adı mükemmellikle özdeşleşmiş, çalışmaları sanatsal yeniliğin kalıcı gücünün bir kanıtıdır.

Kendisi ünlü bir Brezilyalı plastik ve grafiti sanatçısıdır. Kendi kendini yetiştirmiş, Sanat Eğitimi ve Plastik Sanatlar Becerileri alanında eğitim almıştır. 23 Temmuz 1932'de Assis - SP'de doğmuştur. "Almão" olarak bilinen bu sanatçı, yalnızca yerel bir Brezilyalı sanatçı değildir. Eserleri, dünya çapında 50'den fazla sergide (kolektif ve bireysel) sergilenmiş ve İsveç, Fransa, Almanya, Portekiz, İrlanda, Arjantin, Şili, Meksika, Japonya, Amerika Birleşik Devletleri, İtalya, Hollanda, Avusturya, Brezilya, Kanada, İspanya, Türkiye ve birçok başka ülkede yer almaktadır. 

Eserleri günümüzde Brezilya ve yurt dışındaki prestijli galerilerin koleksiyonlarında yer almakta. Brezilya'da Carlos Gomes Madalyası ve Brezilya Bilim Akademisi'nden ödül gibi önemli akademik ödüller kazanmıştır. Güzel hikayesinin bir tanınması olarak, eserleri Paris'teki Louvre'da iki kez sergilenmiştir. Almão, otoriter bir sanatçıdır ve çalışmaları, disleksi ile yaşayan bir insan olarak deneyimlerini yansıtır. Kendini toplumda görünmez bir insan olarak görmüş ve görünmez karakterler yaratmıştır. Tarzı lirik ve sürrealisttir. Yaratım konusundaki rahatlığı, iç dünyasından karakterler yaratmasını sağlar ve bu sonuçlar tamamen inanılmazdır. Bu yaratıcılık, dünyadaki koleksiyoncuların ilgisini çekmiş, 1100'den fazla benzersiz ve özel eser yaratmış, bunların 350'si İtalya'daki bir koleksiyoncu için yapılmıştır. Kişi ve sanatçı arasındaki bu ayrılmaz karışım, Almão Sanatı olarak dünyada kendini, tuvallerde, duvarlarda ve sosyal projelerde Anderson'un imzası olarak ifade etmektedir. 

Şiirsel
Görsel şiirimde insan varlığı üzerine düşünme fırsatını sundum. Çalışmalarım sokak duvarlarına grafiti yapma eylemiyle başladı ve evrenselliği sayesinde dünyayı büyüledi. Yerel bir algıyı evrensel bir duyguya dönüştürdüm. Karakterlerimin sihirli ve rüya gibi bisikletler sürdüğü lirizm, insan olmayı sağlayan arzulanan özgürlüğe atıfta bulunur. Herkes dünyanın yollarında engeller olmadan sürmek ister. Sanatım, renklerin çok önemli bir rol oynadığı bir estetik içinde bu olasılığı sunar. 

"Sanat, sanki bir kol, baş, kalp gibi, benim bir uzantım."

In the hallowed halls of the Rhein-Sieg Art Academy in Hennef/Bonn, Manuel Benchico embarked on a journey of artistic discovery that would redefine the boundaries of expression. His academic odyssey began with a profound exploration of art and design, setting the stage for a career that would push the envelope of creativity. The Genesis of a Maverick It was in the inaugural semester that Benchico's creative alchemy first took form. Here, the synergy of calligraphy and digital media gave birth to his inaugural works, hinting at the innovative spirit that would become his hallmark. Early exhibitions in the vibrant Cologne/Bonn art scene bore witness to the emergence of a new voice in the world of art. 

A Multifaceted Maestro Benchico's artistry knows no bounds. His insatiable curiosity beckons him to explore a myriad of artistic forms, a trait that continues to influence his work to this day. The joy of experimentation, of melding diverse techniques to forge novel creations, is the cornerstone of his artistic identity.

Unveiling the Distorted Realities Within Benchico's creations, one confronts a stark reflection of humanity in our frenetic, tech-driven world. His subjects emerge as distorted and deformed, a powerful metaphor for individuals grappling with the digital age. Here, man exists as a "glitch" in the matrix of a new world, one that is reshaping our society and fundamentally altering the essence of human nature. 

A Journey into the Heart of Themes Benchico's oeuvre dives deep into the waters of mythology, religion, and social commentary. With a neo-expressionist brush, he paints a vivid tableau of the human experience, shedding light on the profound and the enigmatic. His work transcends mere aesthetics; it delves into the very core of our shared narrative. 

In the grand tapestry of artistry, Manuel Benchico emerges as a visionary, an artist who relentlessly explores the evolving contours of human existence. His canvas is a portal into the tumultuous landscapes of our digital age, inviting us to question, reflect, and reimagine the very essence of our being.

Hennef/Bonn'daki Rhein-Sieg Sanat Akademisi'nin kutsal salonlarında, Manuel Benchico, ifadenin sınırlarını yeniden tanımlayacak bir sanatsal keşif yolculuğuna başladı. Akademik serüveni, sanat ve tasarımın derin bir keşfiyle başladı ve yaratıcılığın sınırlarını zorlayacak bir kariyerin zeminini hazırladı. Bir Öncünün Doğuşu Benchico’nun yaratıcı simyası ilk olarak açılış döneminde şekil aldı. Burada kaligrafi ve dijital medyanın sinerjisi, onun ilk eserlerini ortaya çıkardı ve yenilikçi ruhunun simgesi haline gelecek olan tarzının ipuçlarını verdi. Canlı Köln/Bonn sanat sahnesindeki erken dönem sergiler, sanat dünyasında yeni bir sesin doğuşuna tanıklık etti. 

Çok Yönlü Bir Usta Benchico'nun sanatı sınır tanımıyor. Bitmek bilmeyen merakı, onu sayısız sanatsal formu keşfetmeye yönlendiriyor ve bu, bugün hala eserlerini etkileyen bir özellik. Farklı teknikleri bir araya getirerek yeni yaratımlar ortaya çıkarma sevinci, onun sanatsal kimliğinin temel taşıdır.

Bozulmuş Gerçeklikleri Açığa Çıkarmak Benchico'nun eserlerinde, teknoloji odaklı dünyamızda insanlığın çarpıcı bir yansımasıyla karşılaşılır. Konuları bozulmuş ve deforme olmuş olarak ortaya çıkar; bu, dijital çağla başa çıkmaya çalışan bireylerin güçlü bir metaforudur. Burada insan, toplumu yeniden şekillendiren ve insan doğasının özünü köklü bir şekilde değiştiren yeni bir dünyada bir "glitch" olarak var olur. 

Temaların Kalbine Yolculuk Benchico'nun eserleri, mitoloji, din ve toplumsal yorumların derinliklerine iner. Neo-ekspresyonist bir fırçayla, insan deneyiminin canlı bir tablosunu çizer ve derin ve gizemli olanı aydınlatır. Onun çalışmaları sadece estetikle sınırlı kalmaz; ortak anlatımızın özüne iner. 

Sanatın büyük dokusunda Manuel Benchico, sürekli olarak insan varoluşunun değişen sınırlarını keşfeden bir vizyoner olarak ortaya çıkıyor. Onun tuvali, dijital çağımızın çalkantılı manzaralarına açılan bir kapı olup, bizi sorgulamaya, düşünmeye ve varlığımızın özünü yeniden tasavvur etmeye davet ediyor.

İstanbul'un canlı şehrinde, yetenekli bir heykeltıraş ve ressam olan Melis Arslan, antik Anadolu medeniyetlerinin yankılarına büyüleyici eserleriyle hayat veriyor. İstanbul'da doğan ve Marmara Üniversitesi Güzel Sanatlar Fakültesi Heykel Bölümü'nde eğitim alan Melis, sanatsal ilhamın ve kültürel yansımanın bir sembolüdür.

Tarihin Kaynağından Beslenmek Melis Arslan'ın sanatsal yolculuğu, uzun zamandır onları büyüleyen antik Anadolu medeniyetlerinin tutkulu bir keşfidir. Tarihin kaynağından beslenerek, kendi vatanlarının zengin mirasına saygı duruşunda bulunan karmaşık anlatılar dokuyorlar. Sanatları, kültürel süslemeler ve desenlerden oluşan bir tuval olup, dini figürler ve ritüellerin mistik cazibesiyle iç içe geçiyor.

Saygı Duyulan Bir Koleksiyon Varlığı Melis'in sanatının etkisi, İstanbul'un sınırlarının çok ötesine uzanıyor. Eserlerinden biri, Kore'deki bir müzenin koleksiyonunda değerli bir yer bulmuş olup, eserlerinin evrensel çekiciliğinin bir kanıtıdır. Hem yurtiçi hem de yurtdışındaki sergilere aktif olarak katılarak vizyonlarını küresel bir izleyici kitlesiyle paylaşmaya devam ediyorlar.

Konya Mevlana Rumi'den Bilgelik Sözleri Melis Arslan'ın sanatı, sık sık Konya Mevlana Rumi'nin zamansız sözleriyle derinlik ve yankı bulur. Bu derin mısralar, eserlerine ruhani bir boyut katarak izleyicileri varoluşun özünü düşünmeye davet ediyor.

Antik Anadolu’ya Bir Bakış Melis, son sanat serilerinden biri olan 'KARATAY' ile Kubadabat Sarayı çinilerinde ölümsüzleştirilen büyüleyici kadın figürlerini keşfe çıkar. Sulu boya ve guaj boyaların ustaca bir karışımıyla, genellikle 300gsm yüksek kaliteli sanat kağıdına el çizimi dijital baskılar üretir. Diğer yandan tuval resimleri, büyük tuvaller üzerinde canlı akrilik darbeleriyle hayat bulur.

1992 doğumlu Giuseppe De Martino, "Amed" olarak da bilinir ve tuvali geleneksel sınırların ötesine geçen vizyoner bir sanatçıdır. Napoli Güzel Sanatlar Akademisi'nde Görsel Sanatlar ve Dekorasyon dalında aldığı eğitimle, Amed’in sanatı, resim, duvar sanatı, çizim ve illüstrasyon alanlarında ilerleyerek kendine özgü bir yol açmıştır.

Ekletik Bir Zanaatkâr Amed’in sanatsal pratiği, onun sınırsız yaratıcılığının bir kanıtıdır. Farklı medyalar arasında cesurca yol alarak, hayal gücünün şekillendirdiği heterojen malzemelerden bir dokuma oluşturur. Ustalıkla bu malzemelere hayat vererek, kültürel tarih, kişisel anılar, edebi referanslar ve halk hikayeleri arasındaki çizgileri bulanıklaştıran imgeler ve vizyonlar yaratır.

Yer-Specifik Bir Vizyoner Amed’in sanatı, mekanın özüne bağlı bir ethosla yönlendirilir. Her eser, bulunduğu mekanın ruhuyla bütünleşen bir hikaye dokur. Yaratımları, sanat ile çevre arasındaki simbiyotik ilişkiye yaşayan bir tanıklık olarak öne çıkar.

Anıtsal İfadeler 2016'dan bu yana, Amed sanatsal manzarada anıtsal duvar resimleriyle silinmez bir iz bırakmıştır. Bu büyüleyici eserler, hem kamu hem de özel kurumları süsleyerek bulundukları yerlerin görsel dokusunu zenginleştirmiştir.

Giuseppe De Martino ya da "Amed", görsel hikaye anlatımının bir simyacısıdır. Onun tuvali bir alem sunar.

PRAKORIN'in gizemli dünyasında, ilhamın sınırları yoktur. Hiç kimsenin yarattıklarında ilham bulan bir sanatçı olan bu isimsiz vizyoner, sanatın özünü sorguluyor. PRAKORIN'in dünyasında kimlik önemsizdir—önemli olan sadece sanatın kendisidir; isimsiz, yüzsüz ve keşfedilmemiş bir senfoni.

Kökenin Sınırlarının Ötesinde PRAKORIN, belirsizliğin kalbinden doğan ve sınırsız yaratıcı ruhla hareket eden bir sanatsal güç olarak ortaya çıkar. Bilinen bir kökene sahip olmayan bu gizemli yaratıcı, eserlerini zaman ve mekânın sınırlarının ötesine taşıyarak dünyanın saygın galerilerinde ve çevremizi saran duvarlarda kendine yer bulur.

Sanatçısına İhtiyaç Duymayan Sanat PRAKORIN'in dünyasında sanat, tanınabilir bir yaratıcının varlığına ihtiyaç duymayan kendi başına bir varlıktır. Eserleri, şekillendiren elin kim olduğunu bilme yükünü taşımadan, izleyicileri büyüsüne kapılmaya davet eder. Burada sanat, gizemleri ve harikalarıyla bizi içine çekerek, kendi başına konuşur.

Hiçbir Yerden Her Yere Yolculuk PRAKORIN, sanatın dönüştürücü gücünün bir kanıtı olarak hiçbir yerden doğar. Bu, geleneksel etiketlere meydan okuyan ve bilinenin sınırlarını aşan bir yolculuktur. PRAKORIN'in sanatı, sanatçıya değil, saf yaratıcı ifadeye bir davettir.

PRAKORIN'in dünyasında sanat, kökenlerinden bağımsız olarak ruha hitap eden evrensel bir dildir. Bu, insan hayal gücünün sınırsız olanaklarına bir kanıttır; burada sanat, isim veya kimliğe ihtiyaç duymadan merkez sahnede yer alır.

1988 doğumlu ve Yalova'nın büyüleyici kasabasından gelen Begüm Yılmazer, atölyesinde dokular ve renklerin büyülü uyumuyla tuvallere hayat veren bir sanatçıdır. Her fırça darbesiyle, sanatının dünyanızın duvarlarını süslemesi için sıcak bir davet sunar.

Soyutun Evrensellikle Buluştuğu Yer Begüm için sanat, duyguların bir tuvali, soyutun somut formlar kazandığı bir alandır. Onun eserleri, renklerin ve dokuların evrensel diliyle konuşan ve her izleyicinin kendisinden bir parça bulabileceği, sayısız duyguyu keşfedebileceği bir dünyanın kanıtıdır. Bu fenomeni "dokuların renklerle dansı" olarak adlandırır; sanatın uyandırabileceği sayısız duyguyu kutlayan neşeli bir kutlama.

Aşkın Bir Senfonisi Begüm Yılmazer, yarattığı her esere, sanatına duyduğu derin ve sarsılmaz bir aşkı işler. Onun tuvallerinde, çalışmasına döktüğü tutku ve adanmışlık yankılanır. Her fırça darbesi, sanat dünyasına bir bağlılık ilanı, her renk ise yaratıcı ifadesinin senfonisinde bir notadır. Begüm Yılmazer’in dünyasında sanat, biçimin sınırlarını aşar ve ötesine geçer.

Yaş: 31
Ülke: İran
Medeni Durum: Bekar

Modern alçı ve kentsel tasarım dünyasında, Helia Kazemi adeta parlayan bir yıldızdır. İran’ın kültürel dokusuna derin bir saygı duyan ve yarının şehirlerine vizyoner bir bakış açısı sunan Helia, sınır tanımayan genç bir yetenek olarak öne çıkıyor.

Tutuşan Bir Tutku
Helia'nın tasarım dünyasına olan yolculuğu, geleneksel alçı işçiliğinin inceliklerine merak saldığı küçük yaşlarda başladı. Bu erken dönemdeki ilgisi, alçı sanatına karşı derin bir tutkuyla evrildi. Her vuruşta, her kalıpta ve her yaratımda, kendisini tasarım dünyasına daha fazla kaptırdı.

Geçmişi Günümüzle Birleştirmek
Helia Kazemi'yi farklı kılan şey, geleneğin bilgeliğini modernin yenilikleriyle harmanlama konusundaki doğuştan gelen yeteneğidir. Modern alçı tekniklerindeki ustalığı, geleneksel tasarım estetiğinin zamansız cazibesiyle uyum buluyor. Sonuç mu? Yaşam ve sanatla soluk alan, benzersiz ve çağdaş iç mekanlar.

Dönüştürücü Şehirler İçin Bir Vizyon
Ancak, Helia'nın yetenekleri iç tasarımın çok ötesine uzanıyor. Kendisi kentsel dönüşümde öncüler arasında yer alıyor.

Sanat dünyasında, Meliha Kesgin, sanatçının ruhu ile yarattıkları arasındaki derin bağlantının bir kanıtı olarak duruyor. Onun tabloları, bir anlamda varlığının derinliklerini yansıtan bir ayna gibidir. Fırçasını eline aldığında, ruhunu serbest bırakır ve içsel ilham perisinin fısıltılarını takip ederek özgürce akmasına izin verir.

Spontaneliğin Bir Senfonisi
Meliha'nın sanatsal yolculuğu, spontane ve doğaçlama üzerine kuruludur. Sanatını sınırsız bir özgürlük duygusuyla keşfeder ve farklı teknikler kullanarak başyapıtlarını yaratır. Her fırça darbesi, rastlantı ile buluşan bir dokunuş, tuvalden hayatın canlı patlamaları gibi ortaya çıkan renklerin ve biçimlerin dansıdır.

Hayatın Tuvali: Modern, Renkli ve Eğlenceli
Meliha Kesgin, kendi deneyimlerinden ilham alarak modern, renkli ve neşeli eserler yaratır. Onun eserleri, yaşam yolculuğunun izlerini taşır ve ruhunun canlılığıyla doludur. Bunlar sadece tablolar değil; benzersiz bakış açısının yaşayan ifadeleridir.

Bir Etki Kolajı
Meliha, yaratıcı sürecinde doğanın kaynaklarından, bilimin alanlarından ve çağdaş dünyanın sürekli değişen akımlarından beslenir. Doğal dünyanın parçalarını, bilimsel harikaların kırıntılarını ve güncel olayların izlerini yakalar ve bunları tuvaline işler. Bu sadece fırça darbeleri değil; varoluşun renkli yelpazesine açılan pencerelerdir.

Kozmos İçinde Umudun Bir Portresi
Sanatına ekstra bir boyut katan Meliha Kesgin, Castival'deki çalışmalarıyla insanlığın kozmik boşlukta umudu arayışını derinlemesine ele alır. Onun resmi, insanlığın anlam ve iyimserlik arayışını kozmik genişlik içinde büyüleyici bir şekilde resmeder. Fırçasıyla izleyicileri evrenin gizemli güzelliğini ve içindeki yerimizi sorgulamaya davet eder.

Meliha Kesgin'in sanatı, hayatın bir kutlamasıdır; ruhun tuvalde özgür bırakıldığında ortaya çıkan güzelliğin bir kanıtıdır. Sanatseverleri keşif dolu bir yolculuğa davet eden bu eserlerde her fırça darbesi bir hikâye, her renk bir duygu taşır.

Singapurlu sanatçı Barry Yeow, son başyapıtı "Büyük Kırmızı Ninja" ile Asya kültürünün canlı özünü hayata geçirdi. Bu büyüleyici eser, Castival Otel’de sergileniyor ve Asya mirasının mistik cazibesini dinamik bir şekilde yansıtıyor.

Gizemli Savaşçı: 'Büyük Kırmızı Ninja'
"Büyük Kırmızı Ninja"da, Yeow’un imza tarzı ve renk tercihleri hayat buluyor ve izleyicileri canlı kırmızı giysili ninja savaşçılarının dünyasına çekiyor. Tablo içerisindeki her bir detay, Yeow'un olağanüstü yeteneğinin bir kanıtı olarak sanat ve ustalığın etkileyici bir atmosferini yaratıyor.

Asya Tatları ve Kültürü: 'Büyük Kırmızı Ninja' Castival Otel’de
Castival Otel'in Asya restoranı için özel olarak tasarlanan "Büyük Kırmızı Ninja," yemek deneyimine kültürel bir boyut katıyor. Misafirler, Asya mutfağının eşsiz lezzetlerini tadarken, aynı zamanda Asya mutfak geleneklerinin zenginliklerini ve anlatılarını sanatsal bir yolla keşfetme fırsatı buluyor.

Ninja Sanatının Sırlarını Keşfetmek: 'Büyük Kırmızı Ninja' ile Bir Yolculuk
Bu savaşçının gücünün ötesinde, "Büyük Kırmızı Ninja" bir sanatçının zarafetini yansıtır. Barry Yeow'un başyapıtı, izleyicileri Asya sanatının ve kültürünün büyüleyici dünyasında epik bir yolculuğa davet eder; Asya'nın gizemli ve derin yönlerine açılan bir kapıdır. Castival Otel, misafirlerine sadece konforlu bir konaklama değil, aynı zamanda sanat ve kültürle dolu zengin bir deneyim sunmaya kendini adamıştır. Barry Yeow’un "Büyük Kırmızı Ninja" eseri, bu taahhüdün bir kanıtı olarak sanatseverlere ve Asya kültürünün güzelliklerini keşfetmek isteyenlere ilham verir. Castival Otel, misafirlerine unutulmaz anılarla dolu konaklamalar sunmaya devam ettiğinin kanıtıdır. Bu eşsiz başyapıtı yakından görmeye ve Castival Otel'de Asya’nın gizemli dünyasına bir yolculuğa çıkmaya sizleri davet ediyoruz.

Ressam ve Müzisyen, 1981 yılında Forlì/Cesena iline bağlı Bagno di Romagna'da doğdum. Sansepolcro Sanat Enstitüsü'nden mezun olduktan sonra, bir yıl boyunca Floransa Güzel Sanatlar Akademisi'ne devam ettim. İlk sergim 2002 yılında Floransa'daki Mentana Sanat Galerisi'nde gerçekleşti.

Ardından, becerilerimi geliştiren ve sürekli araştırma yoluyla figüratif sanatın engin dünyasına daha derinlemesine dalma isteğimi uyandıran birçok resim tekniğiyle denemeler yapmaya başladım.

1962’de Lucca’da doğdu
1962’de Lucca’da doğan Giuseppe Aldi, doğduğu şehirdeki A. Passaglia Sanat Enstitüsü'nden mezun oldu. Eklektik bir sanatçı olan Aldi, resimden heykele, çizgi romandan fotoğrafçılığa, müzikten şiire kadar geniş bir sanatsal ifade yelpazesinde eserler vermektedir.

Sanat Sınırlarını Aşan Yaratıcı Bir Coşku
Aldi’nin yaratıcı coşkusu, onu sürekli olarak ileriye bakmaya yöneltir ve belirli bir sanatsal akımın onun için fazlasıyla dar olan sınırlarını aşmasını sağlar. Resim, onun iç dünyasını dışa vurma aracıdır; resimsel hareketin içgüdüsel doğasını, geometrik yapının kompozisyonel titizliğiyle birleştirir. Dili, figüratif olanın soyut ve informel hale geldiği, sadece yeniden figüratif olmak üzere döngüsel bir yola geri döndüğü sürekli bir içsel araştırma ile yönlendirilir.

Sergiler ve Ödüller
Aldi, birçok doğaçlama, kişisel ve grup sergisi düzenlemiştir. Üç yıl boyunca Mondadori Modern Sanat Kataloğu’nda yer almış ve 2016 yılında Floransa’daki Palazzo Vecchio’da, Salone dei Cinquecento’da düzenlenen 31. Avrupa Ödülleri "Lorenzo il Magnifico" sırasında Laurentian Madalyası ile ödüllendirilmiştir.

Son Beş Yılın Öne Çıkanları
Aldi’nin birçok başarısı arasında, son beş yılın öne çıkan bazı başarılarını vurguluyoruz:
1. Puccini’nin Yerleri” Doğaçlama Yarışması'nda 2016 ve 2017 edisyonlarında 1.lik, Celle di Puccini - Lucca
2. 2017 Arco di Castruccio Doğaçlama Yarışması'nda 1.lik, Montopoli Val d’Arno – Floransa
3. 2017 “Il Ghibellino” Ulusal Ödülü’nde 1.lik - Empoli
4. 2018 “Acqua oro blu” Ulusal Ödülü’nde 1.lik - Prato
5. 2018 Pietrasantarte Ulusal Ödülü’nde 1.lik - Pietrasanta - Lucca

Avrupa Genelinde Sergiler
Son beş yılda, Aldi Milano, Cenova, Forli, Prato, Floransa, Perugia, Mantua, Belluno, Brescia, Arezzo, Pistoia, Piacenza, Venedik, Berlin ve Nice gibi birçok şehirde sergiler açmıştır.

1981’de Doğdu
1981 doğumlu Sedat Fırat, çocukluktan beri akışkan boyaya ilgi duyuyor ve sürekli resim yaparken buluyordu kendini. Sanatsal kendini keşfetme yolculuğu, Anadolu Üniversitesi'nde eğitimine başlamasıyla başladı.

Akışkan Boyaya Geri Dönüş Yolculuğu
İlk başta mimarlık ve kurşun kalem çizimleriyle ilgilenmeye başlayan Fırat, kısa süre sonra kendini ait olduğu yerde, yani akışkan boyanın içinde buldu. Son 15 yıldır, çeşitli kamu ve özel kurumlarda sergiler ve eğitim çalışmalarıyla profesyonel olarak ilgileniyor.

Sergiler ve Eğitim Çalışmaları
Fırat, Türkiye'de birçok grup ve kişisel sergide yer almış ve yurtdışında proje çalışmalarına katılmıştır. Çalışmaları, farklı disiplinler, küratörlük ve fuar eğitimi alanlarını kapsar.

Soyut Dışavurumculuk ve Sanatsal Temalar
Kendini soyut dışavurumcu olarak tanımlayan Fırat'ın çalışmaları, görünenin ötesi, içsellik, ruhsal analiz ve renk illüzyonu gibi temalara odaklanır. Bu temel ayrımlar, sanatının temalarını yönlendirir.

Özel Hayat
Sedat Fırat, Gökçe Fırat ile evlidir ve Masal ile Şair adında iki kızı vardır.

Alfiya Shaikhulova is a contemporary Russian artist based in Yekaterinburg, in the heart of the Ural region. Her work captures the quiet poetry of post-Soviet life, focusing on industrial landscapes, trams, courtyards, and the subtle interplay of light and shadow in urban spaces.

Working primarily in oil on canvas, Shaikhulova transforms ordinary cityscapes into emotionally resonant compositions. Her paintings often depict familiar Soviet-era architecture and infrastructure, rendered with a sensitivity that highlights their enduring beauty and cultural significance. Through her art, she invites viewers to see the charm in the overlooked corners of Russian cities.

Shaikhulova’s work has been featured in various exhibitions, including the 2024 show “House in Space: 30 Years of the Runet,” which explored the evolution of the Russian internet and its impact on society.  Her paintings have also been showcased on platforms like Saatchi Art, where they have garnered international attention and acclaim.

In addition to her exhibition work, Shaikhulova maintains an active presence on social media, sharing her creative process and engaging with a global audience.  Her art continues to resonate with viewers worldwide, offering a unique perspective on the intersection of history, industry, and everyday life in Russia.

The artist also shares her creative process on social media, where her page serves as a kind of visual diary. She posts photos of sketches, work-in-progress moments in the studio, and scenes from the streets of Yekaterinburg — attracting an audience of both Russian and international admirers. Her works are also available through global platforms such as Saatchi Art, where they’ve received praise for their sincerity and atmospheric depth.

Shaikhulova continues to explore the theme of the city as a living organism — with its history, architecture, light, sounds, and rhythm. Her paintings become visual chronicles of time, reflecting both the personal and the collective, the fleeting and the timeless.

Her work is more than painting — it’s a way of seeing and feeling the world. There is no overt drama or deliberate conceptualism in her art, and this is precisely where its strength lies. She speaks to the viewer through silence, muted tones, and familiar silhouettes, evoking deep emotional responses. Her canvases are like the quiet music of city life: dawn above rooftops, reflections of streetlights in puddles, a tram fading into morning mist.

She works with color and texture with great subtlety. Her palette leans toward earthy tones, muted blues, ochres — capturing the mood of the Urals region, both austere and tender. Light plays a crucial role in her compositions, whether soft and diffused, cold and wintry, or artificial and urban. For Shaikhulova, light is more than a visual effect — it’s a tool for evoking feeling.

Yekaterinburg is not just her geographic home but her emotional center. It’s a city of contrasts, where industrial heritage, constructivist architecture, Ural nature, and the spirit of change coexist. Shaikhulova portrays it as a living entity, full of memories, sounds, and quiet resilience. She doesn’t idealize or critique — she observes, studies, and preserves. This is a rare and valuable quality in an artist.

Recurring themes in her work include solitude, time, memory, and fleeting beauty. Human figures, if present, often appear as silhouettes, reflections, or passersby. The primary subject is space itself and the traces left by human presence. This gives her art a literary quality — each city a story, each street a paragraph from the past.

In recent years, Shaikhulova has increasingly been seen as part of the movement known as the “new Russian sensibility” — artists who turn to local memory, familiar environments, and the forgotten experience of everyday life. Her paintings are cultural testaments to an era when old buildings disappear, streets transform, yet childhood, youth, and lost paths remain preserved in memory.

In addition to exhibiting and selling her work online, Shaikhulova also teaches and mentors young artists, helping them find their own voices. She believes that art is not just about technique, but about honesty, attentiveness to life, and the ability to listen to silence.

Today, her works are part of private collections both in Russia and abroad. Collectors are drawn to the authenticity, atmosphere, and emotional depth of her art. Alfiya Shaikhulova remains true to her style and her city — and in that, she finds true creative freedom.

Fintan Whelan is a contemporary abstract artist of Irish origin whose richly layered, emotionally charged works have earned him recognition across Europe and beyond. Born in Dublin, Ireland, Whelan grew up surrounded by the dramatic landscapes and shifting weather of the Irish countryside—an environment that deeply influenced his visual sensibility and his intuitive connection to texture, movement, and light.

Though his interest in art began at a young age, Whelan did not take the traditional path of formal academic study. Instead, he chose to explore visual art independently, allowing his style and methods to evolve organically, free from institutional constraints. This self-directed approach gave him the freedom to experiment widely, combining traditional materials like oil paint with modern mediums such as resins, pigments, and varnishes. The result is a body of work that is both technically innovative and emotionally resonant.

In the late 1980s and early 1990s, Whelan lived in Spain, where he was influenced by the country’s vivid colors, dramatic light, and rich artistic traditions. His time there played a crucial role in shaping his mature aesthetic. Eventually, he settled in Germany, where he established his studio and became part of the thriving European contemporary art scene. The cultural intersections between Ireland, Spain, and Germany continue to inform his work, both in palette and in thematic sensibility.

Whelan’s paintings are rooted in abstraction, but they frequently evoke organic and atmospheric phenomena—mist, smoke, erosion, waves, or mineral textures. Using a process-driven approach, he builds up layers of translucent and opaque materials, creating a visual depth that feels almost geological. The surfaces of his canvases are often glossy, cracked, or marbled, revealing traces of the artistic process itself. He embraces unpredictability, allowing the interaction of materials to guide the composition as much as conscious intention.

For Whelan, painting is an act of discovery. Rather than begin with a fixed idea or image, he lets each piece emerge through an evolving dialogue between material and motion. His works are non-representational, yet deeply expressive—they invite viewers to bring their own interpretations and emotions to the experience of looking. In this way, his paintings act as mirrors for the unconscious: layered, fluid, and open-ended.

Over the years, Whelan has exhibited extensively throughout Europe, including in cities such as Berlin, Barcelona, Madrid, Dublin, Hamburg, and London. He has also shown work in the United States, including New York City, where his abstract compositions have resonated with collectors and curators alike. His paintings are held in private and corporate collections across Europe, North America, and Asia.

Despite his success, Whelan remains committed to experimentation and growth. Each series he produces builds on the previous one while pushing into new conceptual and technical territory. Whether working on canvas, wood panels, or even glass, he continues to explore the interplay of chaos and order, fluidity and structure, emotion and abstraction.

Today, Fintan Whelan lives and works in Germany, where his studio serves as both laboratory and sanctuary. Surrounded by the tools of his practice—resins, pigments, solvents, and brushes—he continues to pursue his mission of creating art that speaks not just to the eye, but to the spirit.

 an award-winning artist, currently resides and works in Prague, Czech Republic.

While she explores various subjects in her paintings, her greatest passion lies in capturing the beauty of sea and cityscapes. This affinity can be attributed to her birth in Kherson, a significant port on the Black Sea and the Dnieper River, known for its prominent ship-building industry.

Bozhena gains inspiration from the captivating beauty of untouched nature and the incredible power of our civilization. Employing bold strokes and graceful movements, she adeptly plays with light and shadow, colors and textures to capture a singular moment in time and evoke a vibrant sense of energy and life. Her creative process, fueled by her adventurous spirit, integrates rational thinking, experiential learning, and spontaneous self-expression. The resulting works pulsate with vitality and movement.

Bozhena earned a Bachelor of Social Sciences from Uzhhorod National University in 2006.

She collaborates with several galleries in the United Kingdom, where her new works are regularly exhibited. Her participation in notable international art fairs includes the International Contemporary Art Fair in Luxembourg, the 26th Edition of the International Contemporary Art Fair at the Olympiaworld venue in Innsbruck, Austria, and the Fresh Art Fair in Cheltenham, United Kingdom.

Bozhena's artwork has found a place in private collections worldwide, including Europe, North America, Canada, Australia, and Japan.